Venezia 79: gli highlights della Mostra del cinema

Giornata numero sette per la Mostra del cinema di Venezia, che si appresta alla sua chiusura prevista sabato 10 settembre, e ultima giornata al Lido per noi di Framed Magazine. Nella mattinata abbiamo assistito a due proiezioni: Don’t Worry Darling di Olivia Wilde e Love Life di Koji Fukada, rispettivamente Fuori Concorso e in Concorso. Vediamoli in breve.

DON’T WORRY DARLING di OLIVIA WILDE – FUORI CONCORSO

Olivia Wilde presenta la sua opera seconda dopo Booksmart (La rivincita delle sfigate) del 2019. Così sbarca al Lido Don’t Worry Darling che tra folle urlanti per il suo protagonista Harry Styles e chi grida allo scandalo per tutto quello che aleggia dietro le quinte di questo lungometraggio, il prodotto finale è, ahimè, una vera e propria caduta di stile. La trama verte intorno all’apparentemente tranquillo, villaggio Victory. Anni ’50, un agglomerato di coppie vive pacificamente una vita sempre uguale, con le mogli che si occupano della casa e i mariti che lavorano nella misteriosa azienda Victory Project. Tutto cambia quando Alice (Florence Pugh) comincia a nutrire dubbi su quello che in realtà questa cittadina nasconde.

L’idea di base c’è, l’originalità forse un po’ meno, ma tutti sappiamo che un tema anche se già rivisto in molte occasioni, può comunque sorprendere se trattato correttamente. In Don’t Worry Darling questo non succede. Ecco, quindi, che un buon concetto di base viene ribaltato in favore di una confusione generale che parte proprio dalla sua sceneggiatura. I personaggi sono poco sviluppati e sono pochi quelli che bucano lo schermo. Florence Pugh è l’unica eccezione e si dimostra ancora una volta una delle migliori attrici nel panorama cinematografico attuale. Un vero peccato. L’uscita in sala è prevista per il 22 settembre prossimo.

LOVE LIFE di KOJI FUKADA – IN CONCORSO

Seconda proiezione del giorno è stata Love Life del regista giapponese Koji Fukada, che concorre al Leone D’Oro. La storia ruota attorno alle vicende di Taeko (Fumino Kimura), una giovane ragazza madre che vive insieme al nuovo compagno Jiro (Kento Nagayama) e a suo figlio di sei anni Keita (Tetsuta Shimada). La loro vita viene però scombussolata da un evento tragico e inaspettato che induce il padre biologico di Keita, Park (Atom Sunada), a bussare alla porta di Taeko, senza un soldo e senza dimora.

Love Life si è dimostrato una sorpresa sin dal principio della sua narrazione. Con una sceneggiatura pulita e che arriva dritta al punto, il lungometraggio racconta egregiamente la drammaticità e la frustrazione che una famiglia prova dopo la tragica perdita di uno dei suoi membri. Il personaggio di Taeko gode di una rappresentazione ricca e di un’interpretazione che tocca l’anima e i cuori degli spettatori. Tutte le fasi conseguenti a un lutto vengono mostrate nella loro veridicità e senza tralasciare nulla, con la confusione e il senso di vuoto tipici di un evento di tale portata. Un lungometraggio assolutamente da non perdere. In sala dal 9 settembre.

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Venezia 79: gli highlights della Mostra del cinema

IN VIAGGIO DI GIANFRANCO ROSI – IN CONCORSO

Dopo il successo ottenuto nel 2020 con Notturno, Gianfranco Rosi torna alla Mostra del Cinema di Venezia con un documentario della durata di 80 minuti circa, intitolato In viaggio. Dedicato alla figura di Papa Francesco, il docu-film si concentra in particolar modo sui viaggi che il Pontefice ha compiuto dall’inizio del suo pontificato, arrivando fino al 2022.

Le sequenze mostrate sono per la maggior parte filmati di repertorio ripresi dagli archivi ufficiali; brevi spezzoni di viaggi che hanno segnato la figura del Papa, riportati in modo egregio dalla regia di Rosi, che riesce a carpire da questi filmati i momenti più sinceri e toccanti, coinvolgendo lo spettatore all’interno di questa veritiera narrazione. L’uscita in sala è prevista per ottobre 2022.

LES ENFANTS DES AUTRES DI REBECCA ZLOTOWSKI – IN CONCORSO

Produzione francese girata interamente in Francia, Les Enfants des autres (I figli degli altri) ha debuttato al Lido lo scorso 4 settembre. Il lungometraggio racconta la storia di Rachel (Virginie Efira), insegnante di una scuola media locale, divorziata e senza figli. La sua vita cambia drasticamente dopo l’inizio della storia d’amore con Ali (Roschdy Zem), un uomo divorziato e con una figlia di 4 anni, Leila. I desideri di Rachel, che vorrebbe con tutto il suo cuore diventare mamma, vanno quindi a scontrarsi con quelli di Ali, sempre più deciso a non avere altri figli.

Il lungometraggio ha pregi e difetti che risiedono soprattutto in una sceneggiatura confusionaria nel racconto del viaggio introspettivo e psicologico affrontato da Rachel. Una storia sulla maternità e le difficoltà che questo percorso comporta, mostrata in tutte le sue sfaccettature. Tra queste, le preoccupazioni di Rachel che, data la sua età, vedrà il sogno materno sfumare, il rapporto con la figlia del suo compagno che prosegue tra alti e bassi, passando infine per la realizzazione di una verità scomoda. Il film arriverà nelle sale italiane il prossimo 22 settembre.

AMANDA DI CAROLINA CAVALLI – ORIZZONTI EXTRA

Ultima proiezione della giornata è stata quella dedicata al lungometraggio Amanda. Diretto da Carolina Cavalli e concorrente nella sezione Orizzonti Extra (Premio del pubblico), il lungometraggio racconta la vita di Amanda (Benedetta Porcaroli), venticinquenne dalla vita atipica (secondo la sua famiglia). Amanda non ha amici, vive sempre in casa, esce pochissimo e se lo fa è per frequentare feste clandestine nella notte buia di una Torino quasi rurale. Nel cast anche Michele Bravi, Galatea Bellugi e Giovanna Mezzogiorno.

Amanda è un lungometraggio impegnato e rivoluzionario per il cinema italiano come lo intendiamo. Con molti elementi che rimandano ai coming of age tipicamente americani – specialmente Lady Bird di Greta Gerwig – Amanda è ambizioso e atipico come la protagonista da cui prende il nome. Racconta la solitudine e l’incertezza del futuro con gli occhi di una giovane di famiglia agiata che internamente è dilaniata da un enorme insicurezza e dalla necessità di ritagliarsi un proprio posto nel mondo. Previsto nelle sale per ottobre 2022 distribuito da I Wonder Pictures.

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Una sola stanza, un protagonista reietto e una storia d’amore e di liberazione da raccontare. Sono queste le premesse che Darren Aronofsky pone nel presentare in Concorso a Venezia 79 la sua ultima fatica, The Whale. Un racconto sull’amore mascherato dalla sofferenza e dall’insoddisfazione del vivere intrappolati in un corpo che fa solo da tramite verso una vita ultraterrena, che il protagonista aspetta impaziente. Con Brendan Fraser, Sadie Sink, Samantha Morton, Hong Chau e Ty Simpkins, e tratto dall’opera teatrale di Samuel D. Hunter, The Whale è un racconto da scoprire e assaporare con occhi e cuore.

The Whale è la rinascita di Brendan Fraser 

Darren Aronofsky colpisce ancora. Se nel 2002 era toccato a Mickey Rourke con il film The Wrestler, questa volta la scelta è ricaduta sull’attore icona degli anni ’90 e primi anni 2000, Brendan Fraser. Aronofsky ripesca così uno dei volti più amati e iconici di Hollywood rimasto in sordina per molti anni, donandogli una nuova luce che, in questo caso, non fa altro che splendere. Fraser interpreta Charlie, docente del corso universitario online di scrittura creativa. Un uomo che appartiene alla cosiddetta categoria dei reietti, essendo omossessuale, ripudiato dalla famiglia che ha con lui rapporti ostili, ma soprattutto obeso.

Charlie vive in una costante reclusione forzata, come se dovesse espiare un peccato che in realtà non esiste se non nella sua mente, ormai divorata da rimpianti che si porta con sé da anni. Un uomo prigioniero del suo stesso corpo, un corpo che lo costringe a vivere ogni giornata come un’altra, costretto sul divano e non riuscendo praticamente a muoversi se non per brevissimi tratti. Un corpo logoro di una vita che Charlie non considera più sua. Sta morendo – e questo lui lo sa bene – decidendo di arrendersi a un destino che sembra inesorabile. Il corpo viene così oggettificato in favore di una narrazione sporca e veritiera, impostata sulla ricerca di redenzione e liberazione da parte del protagonista.

Quando solo l’arte è in grado di salvarci

In The Whale importantissimo è lo spazio che un’altra protagonista quasi impercettibile si prende. Sto parlando dell’arte della letteratura. Charlie è docente di scrittura creativa e quello che nell’ultimo periodo è riuscito a fare, è stato trovare consolazione nella correzione delle tesine e dei saggi dei suoi studenti. Ecco, quindi, che la letteratura assume una funzione salvifica e necessaria alla mente del protagonista, ormai lacerata da pensieri intrusivi e istinti compulsivi. Un ruolo di calmante naturale ed essenziale che Charlie utilizza contro quello che ormai è diventato la sua personale macchina distruttiva: il corpo.

Sottolineato dal titolo e già dalla prima sequenza del lungometraggio, è l’importante legame che Charlie ha con un’opera in particolare. Si tratta di Moby Dick di Herman Melville. La balena protagonista del libro, nel lungometraggio si tramuta in una metafora per indicare la vita e le condizioni in cui versa il protagonista. È importante dire che questo è un legame sottolineato anche da lui stesso, che vede la balena ormai insalvabile e padrona di una vita che non le appartiene, assolutamente non meritevole di vivere. Una personificazione dettata dalla disperazione e ulteriore segno di un sacrificio estremo che Charlie compie nel corso della narrazione.

La cura dell’anima

Quello che Charlie desidera fare negli ultimi giorni della sua vita è una cura totale. Ecco così che le sequenze – impostate come se fossero una pièce teatrale – diventano il palcoscenico del riallacciamento di rapporti umani tra Charlie e coloro che per vari motivi lo avevano abbandonato. Nella sua quotidianità – mostrata interamente – ecco che si uniscono al racconto anche personaggi secondari che partecipano involontariamente alla cura dell’anima che Charlie si è prefissato.

Liz (Hong Chau), unica amica e infermiera personale di Charlie, che quotidianamente detta un quadro clinico in costante peggioramento; Thomas (Ty Simpkins), un giovane predicatore convinto di inculcare nella mente di Charlie nozioni su una possibile salvezza dell’anima, ed Ellie (Sadie Sink), sua figlia. Abbandonata da lui quando la ragazza aveva appena otto anni per inseguire l’amore della sua vita, il rapporto con Ellie è quello più turbolento e più complicato che Charlie ha. 

The Whale condensa in una sola stanza una narrazione ben lontana dal baratro della monotonia in cui potrebbe rischiare di cadere. Una storia d’amore, di paternità, di cura e di assoluzione trasposta sul grande schermo con una regia intrisa di significato e tipica di Aronofsky, colorita dall’aggiunta di musiche perturbanti e da una scenografia che riflette animo e corpo del suo protagonista.

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Nella notte a cavallo tra il 3 e il 4 settembre il Festival del Cinema di Venezia non è andato a dormire. Nella cornice della prestigiosa Sala Grande del Lido è stato presentato l’attesissimo Pearl alla presenza in sala dell’attrice protagonista Mia Goth e del regista Ti West, che si sono goduti gli scroscianti applausi del pubblico sia all’inizio della proiezione che al termine. Fuori Concorso, Pearl è così arrivato a farsi conoscere in tutta la sua maestosità, mescolando novità e formule consuete nella risoluzione che era già stata vincente per il suo predecessore X – A Sexy Horror Story.

La sfortuna di chiamarsi Pearl

1918, Texas. 60 anni prima degli eventi raccontati in X – A Sexy Horror Story, questo lungometraggio – girato in concomitanza con il suo predecessore – racconta una porzione della storia di Pearl (Mia Goth) e della sua giovinezza vissuta tra ambizioni e paure di un futuro che non potrà mai avere. In piena Prima Guerra Mondiale, Pearl ha un solo sogno: diventare una ballerina il cui nome deve essere – secondo lei – assai conosciuto. Ma il suo sogno è destinato a rimanere una chimera a causa delle sue condizioni di vita; padre infermo, madre severa, un matrimonio vincolante e con una fattoria da mandare avanti. Pearl non può fare altro che fantasticare su quello che potrebbe essere. Ma lei non è come le altre ed è disposta a tutto pur di raggiungere il suo obiettivo.

Protagonista assoluta, Pearl gode all’interno del suo omonimo prequel di una rappresentazione eccezionale, dove le caratteristiche che erano state solo accennate e quasi contornate all’interno di X – A Sexy Horror Story vengono delineate, approfondite e colorate. Rabbia, dolore, frustrazione ma anche ambizione sono le componenti maggiori all’interno della persona di Pearl, le stesse che fuoriescono come un’ondata per tutta la durata della narrazione, merito principalmente di due fattori: una sceneggiatura sporca e ridondante e l’interpretazione magistrale che ancora una volta Mia Goth è stata in grado di donarci.

Pearl è un film fuori dalle righe

Se X – A Sexy Horror Story è stato un film delle mille sfaccettature politiche, Pearl rema in direzione contraria. Nonostante siano presenti numerosissimi rimandi alla situazione in cui versa il mondo dove Pearl si ritrova costretta a vivere quasi fosse una gabbia, questo lungometraggio sottolinea la sfera psicologica della sua protagonista. Un’escalation continua di rabbia e dolore che trovano la loro massima espressione al termine, donando moltissime chiavi di lettura aggiuntive al film in cui Pearl era proprio l’anziana antagonista.

Un film che scrive fuori dalle righe che X – A Sexy Horror Story aveva solo tratteggiato finemente, in cui ancora una volta il cinema come arma di difesa e trasformazione di una realtà opprimente e il ruolo principale dato al corpo della protagonista sono due degli elementi che più hanno contribuito alla buona realizzazione dell’opera finale. Meno slasher e con più dialoghi, Pearl è ambizioso quanto il suo predecessore, nonostante a primo impatto si possa facilmente carpire il contrario. Una commedia horror che gioca sui toni del grottesco e dell’assurdo, pur sempre rimanendo fedele all’obiettivo che si era prefissato: raccontare una origin story.

Una danza macabra all’insegna della giovinezza

Il cinema torna qui a essere un altro protagonista assoluto delle vicende raccontate. Se in X era il voyeurismo e il proibizionismo del cinema erotico di fine anni ’70, in Pearl si ha, da parte della protagonista, la scoperta del cinematografo come elemento di liberazione dalla sua realtà, una continua estasi che alimenta la sua voglia di ribellione e cambiamento. Continuamente sottolineata è anche la giovinezza e, soprattutto, il fatto che questa capiti una sola volta nella vita. Pearl si appropria di questo comandamento e se ne aggrappa con forza, trasformandolo in elemento portante di tutte le sue azioni. Giovinezza e ballo si fondono in una macabra danza, coreografata dalla stessa inarrestabile Pearl.

Con moltissimi elementi che rimandano ad X (la presenza del coccodrillo, il laghetto, passando per il rastrello all’interno della stalla) il regista Ti West aggiunge elementi nuovi alla storia, fino ad ora sconosciuti. Il rapporto tra Pearl e la sua fredda madre è uno di questi e si trasforma in brevissimo tempo ad essere il fulcro principale di tutta la narrazione. Con un’estetica molto più vivida rispetto ad X, Ti West gioca ad un continuo ribaltamento tra commedia e drammaticità, mescolando alla sceneggiatura scritta da lui in collaborazione con Mia Goth, delle musiche incalzanti e crescenti che vanno a completare la cornice di una origin story entusiasmante, mai monotonale e tremendamente riuscita.

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